画古装衣服，美术生在画室老师不给我讲画？
谢谢邀请！老师不给你讲画评画，肯定是不对的！
画室一般人很多，层次也是高低不同，有很多新学的也有很多面临高考的。老师肯定把侧重点放到高考生上，新进的肯定还需要多年的磨练和悟性，所以讲的太多一时也接受不了，可能讲的就相对少些。
我们学画那会，临下课最后半个小时老师让所有人把画竖在墙根，老师大概过一遍把所暴露出来的问题大概讲一下，画的好的也会鼓励一下。这样的 我很喜欢，大家有什么长处和短处可以互相借鉴和学习。
老师一般在你画的时候也会转，看到什么问题时及时纠正或给你改画，针对你的不足去让你改正，上面这两种 是画室老师教学的基本。
如果老师对你置之不理，那你可以跟老师去沟通。一般老师不会针对学生的，因为都是交钱来学习的，如果还是不行，只能再找一家画室了。
希望我的回答对你有所帮助。
哪个丫鬟是奴性十足的？
谢谢邀请！
《红楼梦》据说有名的没名的人物一共写了九百多位，这么多人物中，奴仆的数量要比主子多得多。比如说书中光是贾宝玉的丫头就写了大概有十八人（前后统计不一，名字变换等，所以有些差异），男仆小厮至少也有八人。这些都是我们通常意义上所说的奴才。当奴才的最基本要求就是顺从，不管主子说得对还是不对，你都没有反的份儿，唯一服从才是你的本份，在这种被压制的情况下，身上有那么一点奴性是必然的，否则的话，像晴雯和芳官这样，明明身份卑微，却还要张扬个性，最后只落凄惨的下场。
所以，府里，奴性是大多数奴仆身上所拥有的本性，没有奴性的反倒是少数。举个例子吧。
《红楼梦》第三十七回，宝玉屋里的丫头秋纹因为得了王夫人赏了两件衣服，就开心得跟什么似的。因为在秋纹心里“太太素日不大同我说话的，有些不入他老人家眼的。”一个主子平常压根儿不爱搭理你，你为了生存，只好小心翼翼地在人家屋檐下讨生活，自然时时小心谨慎，努力去巴结对方，以降低对方对自己的讨厌程度。忽然间还额外得了赏赐，就像天上忽然掉下了馅饼砸中你的头，那感觉当然是既惊又喜。
虽然晴雯给秋纹泼了一瓢冷水，说那衣服都是别人挑剩下的，换作我就不要，谁又比谁高贵些呢？但是，秋纹不这样想，她觉得即使是别人挑剩下的也是太太的恩典。这就是奴性和非奴性的差别。晴雯骨子里有一股傲气，不屈就逢迎，不低眉顺眼，而像秋纹这样的，在府里呆的时间长了，就已经养成了低眉顺眼屈就逢迎的态度。这也是晴雯最后被容不下的最主要原因：是个奴才你就得奴性十足，听从主子的吩咐，没有你自己作主的权利。
木秀于林，风必摧之；堆高于岸，流必湍之。晴雯最后成了出头的橼子。
我是苏小妮，喜欢我的回答请点击关注并转发分享！书法中的锥画沙屋漏痕折钗股是什么？
谢谢邀请参与此话题讨论与探索，作为书法收藏爱好者的我，只能附下风雅，助个兴，王羲之兰亭集序的书法，他的文人气质和个人魅力，使其成为后人争相模仿的典范。从那以后，（曲水流觞）的娱乐功能更加实出，并为后世逐渐演变成文人墨客举行雅集活动的主要形式。兰亭集序真迹被唐太宗李世民带入昭陵，最后流传唐代的三个摹本可堪称更佳，也成为后世范本。。。。。。！（一）冯承素摹本，最能体现兰亭之意韵。（二）虞世南摹本，最能体现兰亭之魂魄。（三）褚遂良摹本，嗨！最能体现兰亭之原貌。要精通上述问题，我作为一个收藏书法爱好者，也讲不什么道道！那就从褚遂良摹本，去体味书法之精妙！顾名思义，一定会为你解惑！例如。。。。。。王羲之的（之）字，他在酒后的兰亭集序中，出现了不同写法。看下褚遂良摹王羲之兰亭集序册页一一一一术有所攻，技有所长。去想！去悟？知识限制了我的认知。
古人的衣服为什么都做成宽袍大袖的样子？
古代生活物资确实比较缺乏，但是，古人衣着宽大，却跟这一点没有太大关系，这更不是浪费不浪费的事情。
衣服的样式及审美观念，是逐步发展到现在的样子的。主要是人们的审美以及设计理念没有达到。
古代服装的基本样式
曲裾：曲裾是汉服的一种款式。按照《礼记》记载，深衣的一大特点是“续衽钩边”，也就是说“这种服饰的共同特点是都有一幅向后交掩的曲裾。”
曲裾需要用系带、腰带来固定，腰带系得略微紧一点就可很好的固定曲裾，并显示出宽袖窄腰的美感。
一般曲裾外面不搭配其他衣服，顶多搭个斗篷。
秦汉时期的服饰采用“深衣制”，其特点是禅冠、朱衣、方心、田领、玉佩、朱履，所服总称“蝉衣”。由于秦汉崇尚黑色，深衣用色较深，更彰显古朴之美。
汉服正确的着装方式：分为内衣、中衣、外衣，内衣、中衣的领子需高于外衣。中衣为白色，也可用其他淡色，不可以外穿，但可作为居家服和睡衣。
右衽：领子相交时，左前襟压住右腋，系上腰带称为右衽。右衽是汉民族服装的重要特点，只有部分少数民族或是汉族死者所着的服装是左衽的。
冕服：古代中国（含东亚一些地区的某些历史时间段）男性更高等级的礼服称为“冕服”，主要由冠（冕冠）、上衣（一般为玄色，即黑色）、下裳（一般为赤色，即浅红色，亦有朝代用黄色）、舄等主体部分及蔽膝、绶、佩等其他配件构成。
唐代襦裙服是汉族女子服饰中非常基础的一种款式，即女子上穿短襦，下着长裙（俗称上衣下裳）的传统装束。在唐代，短襦、长裙和披帛是妇女服饰中必不可少的三件物品。
明朝服饰属于汉服体系，在推翻元代蒙古人统治之后，明朝恢复汉族的传统，明太祖朱元璋根据汉族的传统，“上承周汉，下取唐宋”，重新制定了服饰制度。
明代妇女的服装主要有衫、袄、霞帔、背子、比甲和裙子等。上袄：又叫衫，以交领为主，宽大的蝴蝶袖，袖缘窄，左侧系带固定袄身两侧，下摆略宽大。马面裙：除裙子前后一块不加打褶外，两侧都有褶，褶大而疏，裙腰左右两端缝缀有系带，裙腰细窄，裙摆宽大，裙摆绣有装饰或花纹。
云肩：云肩也叫披肩，是围脖子一周，佩戴在肩上的装饰物。
清代旗装是满族的传统服饰。“旗装”又叫“旗服”，女子穿长及脚面的旗装或外罩坎肩，脚着长筒白***，穿花盆底绣花鞋，裤腿扎青、红、粉红等各色腿带，梳旗髻（俗称两把头）。汉族妇女保留明代款式，时兴小袖衣和长裙。满族服饰与汉族服饰的上衣下裳的两截衣裳有明显区别。
国画与西画有什么本质的区别？
这个问题挺宏观的，不过我个人对绘画艺术比较喜欢，也懂一点点国画和西方画的原理。今天，我就国画和西方画在形式上最显著的区别，与大家分享一下自己的看法。 虽然大家都说——艺术不分国界。也就是排开形式不看，艺术是能引起全人类共鸣的。但，国画和西方画在形式上还是真是有很大区别的。另外，西方画的种类也很多，为了比较好说明，我就拿大家都比较熟悉的油画做代表与国画做对比。首先，从绘画工具上看。 这个不用多说，大家都比较清楚。 国画使用的是：毛笔、宣纸（绢）、墨、水，这是国画特有的绘画工具。 而油画的工具有：画刀、画笔、油画布、亚麻油……还挺多的。其次，绘画从题材分类上看 国画主要分为：花鸟、人物、山水画。 油画分为：风景、静物、人物画。
这个也比较明显，不用过多解释。
再次，从绘画的表现形式上看 国画从表现形式分类主要有：写意、工笔、白描三大类。 写意画是国画里比较有中国特色的一种绘画形式，它不讲求形似，而讲求神似，这在后面说中国画神韵的时候，还会提到。近代国画大家齐白石曾说过：作画妙在似与不似间，太似为媚俗，不似为欺世！可见，写意画的精髓就是在似与不似之间。 写意画的主要作用是表达作者的思想和情趣，因此画里的主体并不是依照其对象的真实写照，而是作者心目中的形象。就如写意山水画——中国人受儒释道三家思想的影响，对山林生活格外向往——中国画家笔下的山川无不是空灵飘渺，如梦似幻的，若要真按照画里的形象去找到这座山，恐怕只在作者的意念里，现实中大多不存在的。 相对来说，工笔画较为写实，但它的意境也跟油画不一样，我们后面再说。 白描是一种功能性质的画，大多用于记录、练习以及草稿等，不过作为国画形式的一种，它也有自己独特的韵味儿。 而油画从表现形式上可以主要分为：写实与抽象画。 写实主要是依照客观主体进行描绘，不用多说。 而抽象画主要是依据作者的主观意识进行创作。抽象画的情趣跟我们国画的写意画有那么一丢丢的相似，但抽象画似乎边界更加模糊，没有什么特定的规矩。而中国画的写意画，怎么说还是有神形兼备的要求的，而且在章法上也是有规矩的，这会这下面的结构和布局中谈到。第四，从绘画技法上来说 国画主要以线条为主，不论是没骨画法还是工笔、写意，线条都是国画的主要表现形式。而且国画大多通过线条的疏密、浓淡来展现事物的各种形态。而画线条的技法，又有运笔方式不同与笔锋走向不同分为：提笔、颤笔、顿笔、转笔、首笔及中锋、侧缝、散锋等。同时，还有浓淡、干湿等等的技法。 如唐伯虎的这幅“拈花仕女图”，用清淡柔软的笔触勾出仕女面部和手部轮廓，表现出仕女肌肤的柔润细腻，而用淡雅刚劲的笔法画出仕女的衣服纹理，表现出衣服清透垂坠的质感，又用浓烈而遒劲的笔法画仕女的飘带，让表带的洒脱隽逸跃然纸上。他线条勾勒运用了诸多手法，抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。这是中国画里线条生命力的完美展现。 而油画主要是点、线、面的结合，写实画更是与照片差不多，通过点线面的组合表现物体质感和明暗、远近等空间结构。与中国画的技法相似，点线面的技法也各有许多不同，这里就不一一介绍。第五、从画的结构布局看 中国画讲究章法，既然是章法就是规矩，老祖宗传下来的一套模式。比如梅花，从纸的八个方位出枝，不能错。构图要虚实结合，有立有破，而且画面要讲求“气”的聚散、堵泻，这些都是又规矩的，如果不按规矩来，画出来不好看也就罢了，被行家看笑话也是丢脸的。 另外，中国画的很大一个特点就是没有严格的“透视”规矩。例如，我们可能在一幅山水画中同时看到山脚、山上和山背后的景色。这也就是国画里所谓的“三远透视法”，在油画中是极少见到的。还有，像《清明上河图》这种整条街上的景色都近乎同一比例呈现在纸上，我们称之为“散点透视法”，油画中恐怕也绝无仅有。 因此，以写实为主油画，绝大部分是严格按照真实场景里的透视比例来画的，明暗对比比较规范，所见即所得。另外，油画构图审美主要应用现代数学和物理的相关理论，如：黄金比例，九宫格布局，三角形，螺旋型等等。这与国画经验式的章法有也不太一样。
还有，国画的提子、落款、钤印都是画的一部分，与画面相得益彰，而油画没有这个讲究。
第六，从颜色来看 国画以墨和水为主，而墨就分为“浓……”五色，比较老到的国画家，仅用水和墨就能表现出物体丰富的形态和光影效果。如这幅墨荷，仅一片荷叶，墨的五色就运用得淋漓尽致，并且仅靠墨和水的调和，荷叶的向背、明暗、形态都表现得淋漓尽致却又充满禅意。 另外，经典的国画颜料普遍比较淡雅，色调偏灰，有人说国画颜料是高级色——莫兰迪色，但莫兰迪色是在颜料里添加灰色，因此会有点反白，而国画色却不会有反白的效果，相反国画颜料因经常与墨调和，因此国画颜色整体会偏暗，更显沉稳内敛。刚才说过，国画更多的是作者内心的世界，因此颜色也并不一定要写实，只要能表现出作者的想法即可。因此，我们才会看见如《千里江山图》里那种绚烂的山水情景。 不过，随着技术发展，现在的国画颜料也越来越丰富，色彩也越来越鲜艳。 油画颜料必须要用特定的油及调和剂来清洗与调和，颜色也很丰富。油画的用色，尤其是写实派，画面的色彩尽量会与实际场景保持一致。当然，不同作家也会根据自己的洗好，对画面的色相和色调进行调整，但色彩的变化还是以现实为主。第七，从气韵来看 国画的绘画和欣赏都讲究气韵，而油画对气韵的要求似乎不太明确。 何谓气韵，就是神气和韵味儿。如中国画里的人物，不要求跟真人一样，但要有神气，有韵儿。如这幅画里的钟馗，笔触十分简练，色彩也很淡雅，但作者通过动作和神态刻画让一个凶神恶煞、威武刚劲的钟馗跃然纸上，同时又充满一种夸张的天真烂漫的童趣，让人忍不住要多看几眼。这就是气韵。当然，这里的气韵不但只是人物画，山水、花鸟画同样讲究气韵，只是表现方式不一样罢了。 油画写实派讲究写实，人神态与真人差不多，夸张成分较少，韵味就没那么浓。而抽象画对形象的夸张描绘又没有边界，有时甚至认不出画的是人是物，也就无所谓气韵一说。 其实国画和西方画在形式上的区别还蛮多的，这里只是对其中的一部分做了些自己的粗浅的描述，还请各位批评指正。
